El telón ha caído sobre la 81ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia, dejando tras de sí una estela de emociones, triunfos inesperados y actuaciones que prometen resonar hasta la temporada de premios. Este año, el Lido no solo ha sido escenario de glamour y cine de autor, sino que también se ha perfilado como un posible preludio de lo que veremos en los Oscars del próximo año.

El León de Oro, máximo galardón del festival, ha rugido esta vez para «The Room Next Door», la primera incursión en el cine en inglés del aclamado director español Pedro Almodóvar. Esta película, protagonizada por las icónicas Tilda Swinton y Julianne Moore, aborda temas tan complejos como la eutanasia y la amistad en tiempos de crisis. Almodóvar, conocido por su habilidad para crear personajes femeninos poderosos, ha demostrado que su visión trasciende las barreras del idioma. Sin embargo, la transición al inglés no ha estado exenta de desafíos, como señala el crítico Scott Roxborough: «pierde un poco en la traducción». A pesar de esto, el triunfo de Almodóvar en Venecia podría ser el impulso que necesita para finalmente conquistar la estatuilla dorada que se le ha resistido durante tanto tiempo.

Mientras tanto, el premio a la Mejor Actriz fue para Nicole Kidman por su papel en «Baby Girl», un thriller erótico que promete sacudir los cimientos de Hollywood. Kidman, ausente en la ceremonia debido al fallecimiento de su madre, demuestra una vez más su versatilidad al adentrarse en un género que recuerda a los thrillers eróticos de los 90, pero con un giro feminista contemporáneo. Esta actuación podría marcar un renacimiento en la carrera de Kidman y posicionarla como una fuerte contendiente para los Oscars.

Pero si hay un nombre que resuena con fuerza tras el festival, ese es Adrien Brody. Su interpretación en «The Brutalist», dirigida por Brady Corbett (ganador del León de Plata al Mejor Director), está generando un zumbido que podría convertirse en un rugido cuando llegue la temporada de premios. Brody, que ya tiene un Oscar en su haber por «El Pianista», encarna a un arquitecto judío que sobrevive al Holocausto y busca reconstruir su vida en Estados Unidos. Roxborough no escatima elogios: «Si yo tuviera un voto, él ganaría su segundo Oscar por esta película». La épica escala de «The Brutalist», comparada con las obras de Orson Welles, y el hecho de que esté filmada en celuloide, le otorgan un aire de clasicismo que podría cautivar a los miembros de la Academia.

El Festival de Venecia de este año ha demostrado ser un crisol de talento internacional, donde directores consagrados como Almodóvar se codean con nuevas voces y actores que buscan reinventarse. La diversidad de temas abordados, desde la eutanasia hasta la inmigración y los peligros del poder corporativo, refleja un cine comprometido con los desafíos de nuestro tiempo.

Mientras el mundo del cine dirige ahora su mirada hacia Toronto y luego a los festivales de otoño, las semillas plantadas en Venecia comenzarán a germinar. ¿Veremos a Almodóvar finalmente alzar un Oscar? ¿Logrará Nicole Kidman añadir otra estatuilla a su colección? ¿Será este el año en que Adrien Brody vuelva a subir al escenario del Dolby Theatre?

Lo que está claro es que el Festival de Venecia ha cumplido una vez más su papel como barómetro del cine mundial y como plataforma de lanzamiento para las carreras hacia los Oscars. En un mundo cinematográfico cada vez más globalizado, donde las barreras del idioma se desvanecen y los temas universales toman el centro del escenario, Venecia se reafirma como un faro que guía el rumbo de la industria.

Mientras esperamos con anticipación la temporada de premios, una cosa es segura: el cine sigue siendo una fuerza poderosa para contar historias que nos conmueven, nos desafían y nos conectan como seres humanos. Y eso, más allá de cualquier estatuilla, es el verdadero triunfo del séptimo arte.

En un mundo obsesionado con la juventud, donde parece que el tiempo es el enemigo número uno de cualquier carrera en el cine, surge una revolución silenciosa. Actores y actrices maduros están reclamando su lugar en la pantalla grande, desafiando estereotipos y redefiniendo lo que significa envejecer en Hollywood. Y en el centro de esta revolución, encontramos a figuras como Monica Bellucci, cuyo papel como la «Bond girl» más mayor de la historia a los 50 años en «Spectre» marcó un hito en la industria.

Este cambio no es solo una cuestión de representación; es un reflejo de cómo nuestra sociedad está evolucionando en su percepción de la edad y la belleza. Durante décadas, Hollywood ha sido criticado por su obsesión con la juventud, especialmente cuando se trata de papeles femeninos. Sin embargo, el éxito de actores maduros en papeles protagónicos está demostrando que el público está hambriento de historias que reflejen una gama más amplia de experiencias de vida.

Pero, ¿qué está impulsando este cambio? Por un lado, tenemos una población que está envejeciendo pero que se mantiene activa y comprometida con la cultura pop. Este público demanda verse representado en la pantalla. Por otro lado, los creadores de contenido están reconociendo el valor de la experiencia y la profundidad que los actores maduros aportan a sus papeles.

Tomemos como ejemplo la serie «The Crown». El casting de actrices como Olivia Colman y Helena Bonham Carter para interpretar a la Reina Isabel II y la Princesa Margarita en sus años de madurez no solo añadió credibilidad a la narrativa, sino que también demostró que las actrices maduras pueden liderar producciones de alto perfil con éxito crítico y comercial.

Otro caso notable es el de Frances McDormand, quien a los 63 años ganó su tercer Oscar por «Nomadland», una película que explora temas de envejecimiento y reinvención. Su triunfo es un testimonio de cómo las historias centradas en personajes maduros pueden resonar profundamente con el público de todas las edades.

Este fenómeno no se limita a la pantalla. En el mundo de la moda, vemos cada vez más modelos mayores de 50 años en campañas publicitarias y pasarelas. Marcas como Céline y Calvin Klein han presentado campañas protagonizadas por Joan Didion y Lauren Hutton, respectivamente, demostrando que la elegancia y el estilo no tienen fecha de caducidad.

Sin embargo, es importante reconocer que aún queda mucho camino por recorrer. Mientras celebramos estos avances, debemos seguir presionando por una mayor inclusión y diversidad en todos los aspectos de la industria del entretenimiento.

¿Qué significa esto para el futuro del cine y la televisión? Podemos esperar ver una gama más amplia de historias que exploren las complejidades de la vida en todas sus etapas. Películas y series que aborden temas como el amor en la madurez, las segundas oportunidades profesionales, o los desafíos y alegrías de envejecer en el mundo moderno.

Para los aspirantes a actores y cineastas, el mensaje es claro: la edad no es un obstáculo, sino una ventaja. La experiencia de vida que viene con la madurez puede ser una fuente inagotable de inspiración y autenticidad en la actuación.

En conclusión, la redefinición de la madurez en Hollywood no es solo una tendencia pasajera, sino un cambio fundamental en cómo vemos y valoramos la experiencia de vida en el arte. Es un recordatorio de que la belleza, el talento y la relevancia no tienen fecha de caducidad. Y quizás, lo más importante, es una invitación a todos nosotros a desafiar nuestras propias percepciones sobre el envejecimiento y a celebrar cada etapa de la vida, tanto en la pantalla como fuera de ella.

A medida que Hollywood continúa evolucionando, podemos esperar ver más roles sustanciales para actores de todas las edades. Y con suerte, esto nos llevará a una industria del entretenimiento más rica, diversa y representativa de la experiencia humana en toda su gloriosa complejidad.

En el fascinante mundo del cine, hay un tipo de magia que ocurre cuando un actor logra no solo interpretar, sino encarnar a un personaje histórico. Este fenómeno, que va más allá de la simple imitación, es lo que separa a los buenos actores de las verdaderas leyendas del cine. Recientemente, en el Festival de Cine de Venecia, Angelina Jolie nos ofreció una mirada íntima a este proceso de transformación al hablar sobre su papel como Maria Callas en la película «Maria».

La metamorfosis de un actor en un personaje histórico es un viaje complejo y multifacético. No se trata solo de memorizar líneas o imitar gestos; es un proceso de inmersión total que requiere una profunda comprensión psicológica, emocional e incluso física del personaje. Jolie nos revela que su conexión con Callas comenzó en los momentos más íntimos y privados, lejos de los focos y el glamour asociados con la diva de la ópera.

Este enfoque nos lleva a reflexionar sobre la naturaleza de la actuación transformadora. ¿Qué significa realmente «convertirse» en otra persona? ¿Cómo logran los actores equilibrar su propia personalidad con la del personaje que interpretan?

La clave parece estar en encontrar puntos de conexión emocional. Jolie menciona que se enamoró de la Callas privada, la mujer detrás del mito. Este proceso de humanización es crucial. Los grandes actores no solo imitan; encuentran la humanidad en sus personajes, por más grandes o míticos que sean.

Pensemos en otros ejemplos memorables: Daniel Day-Lewis como Abraham Lincoln, Meryl Streep como Margaret Thatcher, o Rami Malek como Freddie Mercury. En cada caso, estos actores lograron ir más allá de la simple imitación para capturar la esencia de sus personajes.

Pero, ¿cómo se aplica esto fuera del mundo del cine? En realidad, este proceso de «metamorfosis» tiene aplicaciones en muchos aspectos de la vida:

1. En el mundo empresarial, los líderes a menudo necesitan «ponerse en los zapatos» de sus empleados o clientes para entender mejor sus necesidades y motivaciones.
2. Los terapeutas y psicólogos utilizan técnicas de empatía para conectar con sus pacientes, un proceso no muy diferente al de un actor conectando con su personaje.
3. En la educación, los maestros que logran «meterse en la piel» de sus estudiantes pueden crear experiencias de aprendizaje más efectivas y significativas.
4. Incluso en nuestras relaciones personales, la capacidad de ver el mundo desde la perspectiva de otra persona es fundamental para la empatía y la comprensión mutua.

El proceso de Jolie nos recuerda que la verdadera transformación comienza con la empatía y la voluntad de ver más allá de la superficie. Ya sea en el cine o en la vida real, la capacidad de conectar con la humanidad de los demás es lo que nos permite trascender nuestras propias limitaciones y experiencias.

En conclusión, el arte de la metamorfosis actoral nos ofrece lecciones valiosas sobre empatía, comprensión y conexión humana. Nos recuerda que detrás de cada persona, ya sea una leyenda de la ópera o nuestro vecino de al lado, hay una historia privada, compleja y profundamente humana esperando ser comprendida. Y tal vez, al igual que Angelina Jolie encontró a Maria Callas, nosotros también podamos encontrar nuevas perspectivas y conexiones en las personas que nos rodean.

En el glamuroso Festival de Cine de Venecia, entre el brillo de las estrellas y el murmullo de las góndolas, Lady Gaga dejó caer una bomba que sacudió el mundo del espectáculo: tuvo que «desaprender» a cantar para su papel en «Joker: Folie à Deux». Esta revelación no solo nos deja boquiabiertos, sino que también nos invita a reflexionar sobre el extraordinario compromiso que algunos actores asumen para dar vida a sus personajes.

Imaginen por un momento ser un cantante de renombre mundial, con años de entrenamiento vocal, y tener que despojarse de todo eso para encontrar una nueva voz. Es como pedirle a un chef estrella Michelin que olvide todas sus técnicas culinarias para cocinar como un principiante. Parece una locura, ¿verdad? Pero es precisamente esta «locura» la que separa a los buenos actores de los verdaderamente extraordinarios.

El proceso de Gaga no es un caso aislado. A lo largo de la historia del cine, hemos visto actores someterse a transformaciones asombrosas. Christian Bale, por ejemplo, es conocido por sus drásticos cambios de peso para diferentes papeles. Para «El Maquinista», perdió una cantidad alarmante de peso, solo para ganar músculo masivamente poco después para «Batman Begins». Daniel Day-Lewis, por su parte, es famoso por sumergirse tan profundamente en sus personajes que a menudo permanece en el personaje incluso cuando no está filmando.

Pero, ¿qué implica realmente «desaprender»? En el caso de Gaga, significó despojarse de años de técnica vocal para encontrar una voz que surgiera orgánicamente de su personaje, Lee. Es un proceso que requiere una vulnerabilidad extrema, la voluntad de parecer «malo» en algo en lo que normalmente se destaca. Es como si un bailarín de ballet tuviera que aprender a moverse torpemente para un papel.

Este fenómeno nos lleva a preguntarnos: ¿Qué estamos dispuestos a «desaprender» en nuestras propias vidas para crecer o adaptarnos? En un mundo que valora tanto la experiencia y la habilidad, la idea de desaprender puede parecer contraproducente. Sin embargo, a menudo es necesario para la innovación y el crecimiento personal.

Pensemos en el mundo empresarial. Un CEO exitoso puede necesitar «desaprender» estilos de liderazgo autoritarios para adaptarse a una cultura corporativa más colaborativa. Un maestro experimentado podría tener que «desaprender» métodos de enseñanza tradicionales para adoptar nuevas tecnologías educativas.

En nuestra vida personal, «desaprender» puede significar abandonar prejuicios arraigados, patrones de comportamiento negativos o incluso habilidades que ya no nos sirven. Es un proceso que requiere humildad, valentía y una buena dosis de autoconciencia.

El ejemplo de Gaga nos recuerda que el verdadero crecimiento a menudo implica dar un paso atrás para poder dar dos adelante. Nos desafía a preguntarnos: ¿Qué necesitamos «desaprender» para convertirnos en una mejor versión de nosotros mismos?

En conclusión, el arte de desaprender no es exclusivo de los actores de Hollywood. Es una habilidad vital en un mundo en constante cambio. Nos invita a ser flexibles, adaptables y estar siempre abiertos al crecimiento. La próxima vez que te enfrentes a un nuevo desafío, pregúntate: ¿Qué necesito desaprender para tener éxito aquí? La respuesta podría sorprenderte y, quién sabe, tal vez te lleve a tu propia actuación digna de un Oscar en el escenario de la vida.

El género western ha sido durante mucho tiempo un pilar del cine estadounidense, pero ¿cuán precisa ha sido su representación de la historia y sus protagonistas? Kevin Costner, reconocido actor y director, ofrece una perspectiva fresca y necesaria sobre cómo podemos reimaginar este género icónico para reflejar una imagen más auténtica y diversa del Viejo Oeste.

En una reciente entrevista, Costner abordó un tema crucial: la representación de las mujeres y los nativos americanos en las películas del Oeste. Tradicionalmente, estos grupos han sido relegados a papeles secundarios o estereotipados, una práctica que Costner considera no solo inexacta, sino también perjudicial para la riqueza narrativa del género.

«Las mujeres generalmente no son retratadas en los westerns, y cuando lo son, a veces se reducen a roles muy pequeños que son muy similares», señala Costner. Esta observación pone de manifiesto una problemática arraigada en Hollywood: la tendencia a simplificar o ignorar las experiencias femeninas en contextos históricos.

Costner propone un enfoque revolucionario: colocar a las mujeres en el centro de las narrativas del Oeste. «Todas mis líneas argumentales pasan por el medio de las mujeres, las mujeres van con nosotros», afirma. Este cambio de perspectiva no solo enriquece las historias, sino que también ofrece una visión más precisa de la realidad histórica. Las mujeres del Viejo Oeste eran mucho más que simples acompañantes; eran pioneras, luchadoras y pilares de sus comunidades.

El actor también aborda la representación de los nativos americanos, un tema delicado pero crucial. «Los exterminamos en América. Fue un genocidio lo que sucedió», dice Costner con franqueza. Esta declaración audaz subraya la necesidad de contar historias que reconozcan las injusticias históricas y ofrezcan una representación más matizada y respetuosa de los pueblos indígenas.

La clave, según Costner, está en la autenticidad emocional. «Sus emociones no deberían estar demasiado alejadas de cómo tú y yo nos sentimos», explica. Este enfoque humaniza a los personajes, permitiendo que el público se conecte con ellos más allá de las barreras del tiempo y la cultura.

¿Cómo podemos aplicar esta visión en la práctica? Algunos ejemplos concretos podrían incluir:

1. Desarrollar películas centradas en mujeres pioneras reales, como Calamity Jane o Annie Oakley, mostrando sus luchas y triunfos.
2. Crear series que exploren la vida cotidiana en las comunidades nativas americanas durante la expansión hacia el oeste, desde su propia perspectiva.
3. Producir documentales que combinen la narración histórica con recreaciones dramáticas, ofreciendo una visión más completa y precisa de la época.
4. Fomentar la colaboración con guionistas y directores nativos americanos y mujeres para asegurar la autenticidad de las historias contadas.
5. Reimaginar clásicos del western desde nuevas perspectivas, centrándose en personajes que tradicionalmente han sido marginados.

El llamado de Costner a una representación más auténtica y diversa en el cine del Oeste no es solo una cuestión de corrección política; es una oportunidad para revitalizar un género amado y hacerlo relevante para las audiencias modernas. Al dar voz a las experiencias de las mujeres y los nativos americanos, podemos crear narrativas más ricas, complejas y emocionalmente resonantes.

En última instancia, el desafío que plantea Costner es tanto para los cineastas como para el público: exigir y crear historias que reflejen la verdadera diversidad y complejidad del Viejo Oeste. Solo así podremos honrar el legado de este período histórico y seguir cautivando a las audiencias con historias que son a la vez entretenidas y profundamente humanas.

El western está lejos de ser un género agotado. Con visiones como la de Costner, tiene el potencial de reinventarse y ofrecer nuevas perspectivas sobre nuestra historia compartida. Es hora de que Hollywood tome las riendas y lidere este emocionante viaje hacia un Oeste más inclusivo y auténtico en la gran pantalla.

En un mundo donde la fama puede ser tan efímera como un Tweet viral, las celebridades están aprendiendo una valiosa lección: diversificar es la clave para el éxito a largo plazo. Ya no se conforman con depender únicamente de sus talentos artísticos; ahora, están construyendo imperios empresariales que rivalizan con los de los magnates tradicionales. ¿Pero qué hay detrás de este fenómeno y qué podemos aprender de ello?

Tomemos como ejemplo a Selena Gomez, quien ha transformado su carrera de una manera asombrosa. Con un patrimonio neto estimado en $1.3 mil millones, Gomez se ha convertido en una de las mujeres multimillonarias más ricas del país que se hicieron a sí mismas. Lo fascinante es que su música, el talento por el que inicialmente se hizo famosa, representa solo una pequeña fracción de su riqueza.

El secreto del éxito de Gomez radica en su capacidad para aprovechar su fama en múltiples vertientes. Su marca de belleza, Rare Beauty, constituye el 81.4% de su patrimonio. Pero no se detiene ahí: actúa, produce, invierte en startups de salud mental e incluso utiliza su masiva presencia en redes sociales para impulsar sus negocios. Esta estrategia de diversificación no solo ha aumentado su riqueza, sino que también ha creado una red de seguridad para su futuro financiero.

Pero Selena no es la única. Rihanna con Fenty Beauty, Jessica Alba con The Honest Company, y George Clooney con Casamigos Tequila son otros ejemplos de celebridades que han aprovechado su fama para incursionar en industrias completamente diferentes. Estos casos nos enseñan valiosas lecciones aplicables a cualquier emprendedor:

1. Autenticidad como diferenciador: Gomez ha sido abierta sobre sus luchas con la salud mental, lo que ha hecho que su marca de belleza y sus iniciativas de bienestar resuenen profundamente con su audiencia. La lección aquí es clara: construye tu marca alrededor de tus valores y experiencias auténticas.
2. Apalancamiento de activos intangibles: La presencia en redes sociales de estas celebridades se convierte en una poderosa herramienta de marketing. Para los emprendedores, esto subraya la importancia de construir y mantener una fuerte presencia digital, independientemente del tamaño de tu negocio.
3. Diversificación estratégica: No poner todos los huevos en una sola canasta es un consejo antiguo pero valioso. La cartera diversificada de Gomez la protege contra las fluctuaciones en cualquier industria específica.
4. Impacto social como estrategia de negocio: La promesa de Rare Beauty de donar el 1% de sus ventas a causas de salud mental no solo es filantrópica, sino también una brillante estrategia de marketing que aumenta la lealtad del cliente.
5. Adaptabilidad y evolución constante: La transición de Gomez de la música al cine, y luego a los negocios, demuestra la importancia de evolucionar con el mercado y las propias pasiones.

Estos principios no son exclusivos de las celebridades. Un pequeño empresario puede aplicarlos explorando nuevas líneas de productos, colaborando con otros negocios locales, o utilizando sus habilidades únicas para adentrarse en industrias adyacentes. Por ejemplo, un chef local podría expandirse más allá de su restaurante para ofrecer clases de cocina en línea, lanzar una línea de utensilios de cocina, o escribir un libro de recetas.

La lección final es clara: en el mundo empresarial actual, la versatilidad es la nueva superestrella. Ya sea que estés comenzando tu primer negocio o buscando expandir uno existente, pensar más allá de tu industria inicial puede abrir puertas a oportunidades inimaginables. La pregunta es: ¿estás listo para ser el CEO de tu propia marca multifacética?

Mientras reflexionas sobre cómo puedes diversificar tu propio camino hacia el éxito, recuerda: cada imperio comenzó con una sola idea audaz. ¿Cuál será la tuya?